Como nunca he visto ni un sólo episodio de las varias series de Star Trek, pues no tenía ni idea de que el cuartel general de la Flota Estelar de la Federación se encuentra en San Francisco, así como el Consejo de la Federación y otros edificios, restaurantes o bares que aparecen en la serie. Realmente no sé porqué nunca me enganché a esta serie, ya que la película me gustó y me encanta la ciencia ficción en general.

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Después de ver la película y de descubrir el papel de San Franciso en Star Trek, me fui a San Google y encontré esta maravillosa página que detalla la historia de la ciudad en la serie y todas sus apariciones incluyendo algunas fotos como ésta de aquí abajo. Por si alguien es fan de la serie, o simplemente le gusta rastrear los escenarios de las películas, me pareció de lo más curioso detectar la ubicación de algunas fotos y leer sobre la historia futura de San Francisco. Por ejemplo, me hizo gracia enterarme de que en la misma ciudad que en 1945 se firmó la Carta de las Naciones Unidas, en 2161 se firmó la carta fundacional de la Federación Unida de los Planetas, o que en 2286 el almirante Kirk viajó a través del tiempo hasta 1986 para recuperar dos ballenas de Sausalito.

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Ya sé a qué serie me voy a enganchar después de acabar la última temporada de The Wire hace un par de días...

Como el año pasado me perdí el Festival Internacional de Cine de San Francisco por estar ocupada en otros asuntos, este año tenía muchas ganas de ir y acabé viendo media docena de películas muy interesantes (las finanzas no permitieron ver más). Entre que resulta muy difícil en general ver documentales en el cine, y que en Estados Unidos también resulta difícil ver películas que no sean en inglés (incluso en San Francisco), disfruté como una enana después de tanto tiempo sin ir a un festival de cine.

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Una de las películas que vi fue Nieve (Snijeg en bosnio), primer largometraje de la directora bosnia Aida Begić que acabó ganando un premio a la mejor directora novel después de haber cosechado otros premios por varios festivales de todo el mundo. La película está ambientada poco después del final de la guerra que desintegró Yugoslavia, en 1997, en un pequeño pueblo medio destruido en el interior de Bosnia en el que los pocos habitantes que quedan siguen sufriendo las consecuencias de la guerra. Al igual que Grbavica hace un par de años, que también fue la primera película de su directora, Nieve habla del trauma de la guerra a través del desgarre de la pérdida y del peso diario de la ausencia. Y de cómo la auténtica tragedia no es la muerte sino la existencia después de esa, porque sobrevivir está cargado de dolor.

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Es una de esas películas en las que lo importante no es lo que pasa, ni lo que se dice, sino lo que se lee en los rostros de los personajes y lo que se capta entre líneas. Sobretodo el rostro de la protagonista, Alma, que habla poco pero dice mucho. Es una película de mujeres que intentan encontrarle un sentido a sus vidas quebradas, luchando por no rendirse ante la desesperación.

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Aunque mi acompañante se quejó de que todas las películas bosnias de los últimos 10 años parecen tratar sobre la guerra y expresó su deseo de ver alguna sobre otro tema más alegre, me parece que una de las funciones del arte es terapéutica y que muchas grandes obras de arte han salido del dolor y el sufrimiento. En Bosnia y Herzegovina la guerra causó una fractura tan profunda en la sociedad y unas heridas tan grave, que aún hoy en día sigue siendo una enorme losa en el alma para la mayoría de la gente aunque normalmente no hablen de ello. Películas como Nieve, si bien no traen ninguna revelación, son un pequeño bálsamo para el corazón.

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Dice la directora en la web oficial de la película que el título de la película hace referencia no a la nieve que cae para cubrir el monte, sino para que todas las bestias dejen su rastro. De alguna manera sugiere que con las próximas nevadas los rastros de las bestias irán quedando debajo por la nieve fresca, porque por más profundos que sean esos rastros siempre llega una nueva nevada que los cubre. Es decir, por más que mirar hacia el futuro y pensar en otras cosas a parte del sufrimento cueste porque dejar de sufrir parece una traición hacia los muertos, es inevitable ya que el paso del tiempo es inexorable. Me gustaría pensar que ése es el mensaje final de la película, que deja amplio espacio a la interpretación del espectador.

Gracias a Laughing Squid, uno de esos blogs de autor súper-popular y super-guay que se actualiza muy a menudo, y que habla sobretodo de cosas relacionadas con San Francisco, descubrí esta pequeña joya de aquí abajo. Se trata de una geolocalización de la archi-famosa escena de la persecución automovilística por las calles de San Francisco de la película Bullitt, protagonizada por Steve MacQueen. Es decir, a la izquierda se desarrolla la escena de 9 minutos y medio, mientras que a la derecha un mapa en movimiento muestra la localización de los coches en cada momento, que algún fan de la película creó basándose en Google Maps. Simplemente impagable para cualquier amante del cine.

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Y hablando de amantes del cine, como San Francisco es una ciudad muy fotogénica por aquí se han rodado unas cuantas películas. Ya hablé de Vértigo, por ejemplo, pero la lista es tan larga como un libro que compré el año pasado que describe las localizaciones de cientos de escenas de películas rodadadas por aquí. Pero además existen varias páginas web que se dedican a desglosar películas e identificar localizaciones. Una de las más completas es Film in America, que recoje unas 300 películas con escenas rodadas en San Francisco. Como muestra, aquí está la página dedicada a Bullitt.

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(Para verlo más grande, ir al documento original)

El viernes fui al cine Roxie (que ya he nombrado alguna vez) a ver la película Warchild del director alemán Christian Wagner, en la sesión inaugural del festival Crossing the border (Cruzando la frontera) organizado por el Instituto Goethe de San Francisco, sobre las migraciones y las fronteras.

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La película está protagonizada por Senada, una joven bosnia que hace de agente inmobiliaria en Sarajevo. Un día descubre por casualidad una foto en una revista alemana que le da una pista de que su hija que daba por muerta desde la guerra puede estar viva en Alemania. Sin dudarlo un momento decide irse hasta allí a investigarlo, a través de un largo viaje como inmigrante ilegal hacia la "fortaleza UE". Una vez allí consigue localizar a su hija perdida, que ha sido adoptada por una pareja alemana y lleva otro nombre. Después de 10 años, la adopción no puede revocarse ya que los papeles estaban en regla, y además la familia adoptante se sienten padres de la niña, que tiene 12 años, y no piensan renunciar a ella de ninguna manera.

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La primera parte de la película muestra el viaje de Senada, mientras que la segunda parte muestra la imposibilidad de acceder a su hija una vez la ha encontrado. Se pasa días merodeando cerca de la casa de los padres adoptantes, habla con el padre, con la madre, con la asistenta social, pero nadie la puede ayudar. La pérdida de su hija es irreversible, como lo es la guerra y sus cicatrices. La pasta de dientes no se puede volver a meter en el tubo.

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La película acaba con un final abierto, irresuelto, como si el director no se hubiera querido mojar. En cierto modo habría preferido un final más conclusivo, después de ver a la pobre mujer desesperada por encontrar a su hija durante toda la película. Por otro lado supongo que este tipo de final es el más realista, ya que es un dilema de muy difícil resolución y parece que la película quiera provocar la reflexión más que ofrecer soluciones.

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En general la película me gustó y en algunos momentos me pareció extremadamente aguda narrativamente, con escenas de una intensa carga emocional con gran economía de recursos dramáticos. La fotografía también tienen momentos de extrema belleza, como las ruinas en las aguas de ¿Eslovenia? donde Senada llega después de su periplo a través de fronteras ilegales. No en vano el director de fotografía trabajó con el gran Werner Herzog y es muy conocido en Alemania.

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Sin embargo, le encontré un fallo importantísimo: la actriz principal, Labina Mitevska, además de parecer demasiado joven para el papel de madre de una niña de 12 años, es macedonia y no bosnia. Para alguien no familiarizado con la historia de los Balcanes y con las guerras de independencia de Yugoslvia, puede parecer un detalle irrelevante. Pero para alguien de la región este tipo de detalles son cruciales. Recordemos que si bien el croata, el bosnio y el serbio es esencialmente la misma lengua, el macedonio no lo es, y además tiene una sonoridad muy distinta por lo que Mitevska hablando bosnio suena como una extranjera.

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Al acabar la película el director, Christian Wagner, contestó a las preguntas de los asistentes así que aproveché para preguntarle sobre su elección de la actriz principal. De entrada se sorprendió de que me hubiera dado cuenta de que no es bosnia, a pesar de que su apellido es típico macedonio y al llegar a casa me di cuenta de que es una actriz conocida por haber actuado en Antes de la lluvia (que ganó el Oscar) y la película checa Samotáři (Solitarios). Pero en lugar de contestar diciendo que es una actriz excelente -que lo es- y que no pudo refusar trabajar con ella, o algo por el estilo, simplemente dijo que hay que tener en cuenta que Bosnia es un país muy pequeño y por lo tanto con muy pocos actores. Ejem.

Hace ya unos cuantos días fue a ver una película congoleña en el marco del Festival de Cine Africano que organizaba el Pacific Film Archive de Berkeley (todo lo interesante pasa en Berkeley). Aunque se trata de una película rodada en Bruselas y no en Kinshasa por un director que lleva más de media vida viviendo fuera de su país y con un equipo técnico y artístico de congoleños que viven en Bélgica o Francia, no deja de ser una película congoleña y por lo tanto algo del todo inaudito y excepcional.

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El título de la película, Juju Factory hace referencia al juju, un talismán de tipo mágico-vudú que protege de lo maléfico con poderes sobrenaturales en África del Oeste. La película cuenta la historia de un escritor congoleño (llamado muy reveladoramente Kongo Congo) en Bruselas que quiere escribir una especie de historia del Congo a través de los exiliados del barrio de Matonge (conocido por la gran comunidad congoleña que allí vive). Pero a su editor, también congoleño, no le hace ninguna gracia el carácter político y reivindicativo de sus escritos, e intenta hacerle escribir una historia mucho más festivo-folclórica del barrio. Según explica el director de la película, Balufu Bakupa-Kanyinda, su idea era mostrar un combate imaginario entre un escritor (el juju) y un editor (lo maléfico), con visiones enfrentadas de su vida como exilidados en Bélgica, de lo que representa ser africano, a la vez que una metáfora sobre la creación en el exilio.

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Se trata de una película peculiar, que mezcla el tono documental con la ficción, y que más que contar una historia se trata de una reflexión filosófica sobre las dificultades de la creación. Y esto es a la vez su punto débil y lo que la hace interesante, ya que es muy difícil mostrar la escritura visualmente sin cansar ni resultar repetitivo. Y también es muy difícil realmente remover la conciencia de la audiencia con mensajes pamfletarios, muy bien escritos eso sí, en lugar de con una historia bien construida y poderosa. Digamos que quizás el director fue demasiado ambicioso con el mensaje de la película, que gira entorno al pasado colonial del Congo y al asesinato de Lumumba (tema que parece obsesionar al director, que en una entrevista que leí dijo que su próxima película hablará precisamente de eso, ya que ese asesinato en el 1961 marcó una ruptura de los congoleños con su propia historia y pasado).

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En todo caso Juju Factory es una película sumamente interesante, no sólo como representante de una cinematografía tan escasa como la congoleña, sino también por los temas más universales que toca (la creación, el exilio), y por su manera tan africana de hablar de un montón de cosas a la vez. Y retrata de manera magistral algunas actitudes y maneras de pensar de los congoleños, algunas en plan humorístico como el estudiante que se compra unos zapatos de 450 euros y luego le pide al escritor que le preste 5 euros para el autobús de vuelta a casa. También retrata las dos actitudes principales de los congoleños (africanos) exiliados: la crítica hacia la patria como activismo para cambiar las cosas y la exaltación ciega de la patria sin querer ver lo malo para mantener una especie de dignidad decadente y falsa.

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Esta última actitud la descubrí con el blog de Cédric, que siempre ha denunciado todo lo que no funciona en Kinshasa y en el Congo y desde el principio recibió insultos de infinidad de congoleños residentes en Europa que lo acusaban de mancillar el honor del país, de recrearse sólo con lo malo y lo feo de manera sensacionalista, etc. Si bien es cierto que la distancia tiende a alimentar la memoria selectiva, recordando la patria como poco menos que un paraíso, lo de los congoleños va más allá. Es un país enorme y riquísimo con un gran orgullo nacional pero cuyas habitantes viven una contradicción interna. Como dice Balufu Bakupa-Kanyinda citando un proverbio d e los Luba: "Aceptad dormir con hambre, pero no con la vergüenza o la humillación".

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Por cierto, para los que les haya picado la curiosidad por esta película atípica, en YouTube he encontrado cinco tráilers que en realidad son cinco escenas de 3-4 minutos cada una (están en francés con subtítulos en inglés): uno, dos, tres, cuatro y cinco.

Este fin de semana pasado el cine Castro hizo un mini-festival de homenaje al director Peter Bogdanovich, el cual presentó personalmente casi todas las películas. El Castro es seguramente mi cine preferido en San Francisco, de los que quedan pocos en pie. Se trata de un cine de los años 1920's, con fachada barroca de estilo colonial español y interior majestuoso con una gran lámpara en el techo. Y además su programación es siempre de calidad, mezcla de joyas de Filmoteca, películas horteras olvidadas, festivales temáticos o mini-ciclos de homenaje a actores o directores.

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Peter Bogdanovich, fue crítico antes que director, una especie de versión americana de François Truffaut. Su primera película fue Targets, que hizo con un presupuesto limitado en la factoría Roger Corman también conocida como Juan Palomo, "yo me lo guiso, yo me lo como": no sólo la dirigió, sino que también escribió el guión (basado en una idea de Samuel Fuller), hizo de actor, la produjo, la montó a mano y hizo todo lo que hiciera falta. La única condición era usar al actor Boris Karloff, que le debía tres días de rodaje a Corman (y que está fantástico en la película).

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Según comentó al acabar la proyección, después de algunos años como crítico de cine, un día Bogdanovich decidió lanzarse a hacer él mismo películas, hizo las maletas y fue a Hollywood dispuesto a llamar puertas y a hacerse el pesado. Y así consiguió que en 1968 Roger Corman le diera una oportunidad, a pesar de no tener ninguna experiencia. Después del rodaje de Targets dijo que había aprendido tanto que se sintió capaz de dirigir cualquier cosa. Y aunque la película tiene 40 años, la película sigue siendo una pequeña joya cinéfila y además su temática sigue siendo (tristemente) de actualidad.

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Bogdanovich alcanzó fama un par de años poco después con su tercera película La última película, que fue nominada a 8 Oscars y se llevó 2, historia melancólica en blanco y negro que no tenía nada que ver con Targets. Fue la primera película en que actuó Cybill Shepherd, que por aquel entonces era modelo y que Bogdanovich escogió después de haberla visto en la portada de una revista. Dijo que cuando la entrevistó le pareció perfecta ya que se pasó el rato jugando con una flor que había encima de la mesa, con un desdén muy parecido al personaje de La última película que iba a interpretar. Y como la realidad supera la ficción (o viceversa), Bogdanovich se enamoró de ella durante el rodaje y dejó a su mujer e hijos (sobra decir que el tumultuoso romance no duró).

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Shepherd, que también estuvo presente después de la proyección de La última película, se mostró coqueta y bromista con Bogdanovich, incluso estuvo bebiendo cerveza mientras hablaba, pero Bogdanovich parecía un tanto nostálgico de la época del rodaje de la película. Quizás me equivoque, ya que la biografía de Bogdanovich lo pinta como bastante mujeriego, pero yo incluso detecté una cierta tristeza por su parte cuando Shepherd dijo algo así como que durante años no quiso admitir lo mucho que se parecía al personaje de La última película, que tiene a todos los hombres a sus pies pero no se acaba de enamorar de ninguno.

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Aunque Bogdanovich no caiga muy bien a los críticos, este hombre es una enciclopedia del cine andante y muy entretenido de escuchar. Desgraciadamente después de varios fracasos comerciales ahora Bogdanovich ya no hace películas y es más conocido por su aparición como actor en Los Soprano que por otra cosa. Según leí por ahí, parece que lleva años enfrascado en un proyecto para acabar la última película de Orson Welles The Other Side of the Wind. Y es que no sólo fue biógrafo de Orson Welles y publicó dos libros sobre él (uno de conversaciones al más puro estilo Truffaut-Hichcock), sino que también fueron amigos hasta el punto de que Bogdanovich lo dejó vivir en su casa durante dos años cuando éste iba corto de pasta. Esperemos que lo consiga.

Descubrí las conferencias TED hace algunos meses al empezar a ver vídeos de algunas de las charlas en varios de los blogs que leo (como por ejemplo uno sobre fractales que colgué aquí). Se trata de conferencias sobre temas diversos que, bajo el lema de Ideas worth spreading (Ideas que merecen ser difundidas), invitan a la reflexión. Hasta hace poco las conferencias anuales se hacían en Monterey, a unas 3 horas de San Francisco, pero el año pasado organizaron también una en África, en Arusha (Tanzania).

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La conferencia de este año en Monterey empezó anteayear y acabará el sábado, y a estas alturas ya estoy verde de envidia por no haber podido asistir después de leer las descripciones de las charlas en el blog de Ethan Zuckerman, que es uno de mis blogs favoritos y ha estado blogueando en directo (liveblogging lo llaman). Sin embargo había un pequeño problema: la asistencia a la conferencia es sólo por invitación y cuesta nada más ni nada menos que 6000 dólares del ala. Sí, habéis leído bien, es una pasta por asistir a cualquier conferencia, por buena que sea. Pero por otro lado, aunque eso crea un elitismo muy criticable, también sirve de mecanismo de selección para atraer a la crème de la crème de la ciencia y la cultura. Y los demás pueden disfrutar de las charlas en vídeo.

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Pero este año alguien que estaba harto de que TED le pusiera los dientes largos decidió organizar durante el fin de semana una contraconferencia gratuita llamada BIL (¿alguien se acuerda de Las alucinantes aventuras de Bill y Ted?) intentando atraer a algunos de los ponentes de la otra conferencia. Es un experimento y no sé cómo va a funcionar la idea, pero de momento se ha apuntado un montón de gente incluida yo. Así que voy a estar en Monterey mañana y domingo, espero traer material interesante por aquí.

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Y como aperitivo, os dejo con una idea surgida del TED de hace dos años que me ha llamado la atención: Pangea Day. Se trata de un festival de cine que tendrá lugar el día 10 del mayo en un montón de ciudades distintas de todo el mundo, que fue el deseo de la cineasta Jehane Noujaim al ganar el premio TED del 2006 (cada año 3 personas reciben un premio bien dotado económicamente para llevar a cabo una idea para cambiar el mundo).

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Pangea Day, un día que recibe el nombre de la tierra cuando estaba unida en una misma masa de tierra, es una invitacón a ver las cosasa de manera distinta, a considerar el punto de vista del otro. Aquí abajo hay un ejemplo, un vídeo producido para este día basado en las imágenes de la famosa escena de un hombre armado tan sólo con bolsas del súper de pie delante de los tanques de la plaza de Tiananmen el 5 de junio del 1989.

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Actualización 3/3: Más detalles sobre cómo fue la conferencia BIL aquí.

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El domingo tuve la ocasión de ir por primera vez al Pacific Film Archive en Berkeley, que es lo más cercano que hay por aquí a mi añorada Filmoteca. La ocasión: la proyección del documental Lumo dentro del festival de cine sobre derechos humanos de Human Rights Watch, que por cierto también incluye en su programa The greatest silence, película de la que hablé hace poco.

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Hacía mucho tiempo que tenía ganas de ver Lumo, ya que uno de los primeros blogs sobre el Congo que descubrí nada más llegar allí fue Telegraphe Congolais (ahora inactivo), una especie de diario de rodaje escrito por uno de los directores y productor de la película, Louis Abelman. Y también por haber sido rodada en Goma, en el Nord Kivu, y por la temática: la violencia sexual contra las mujeres en el este del país como arma de guerra. Y a pesar de la seriedad y dureza del tema, la película resultó ser sorprendentemente entretenida y entrañable.

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Lumo es el nombre de una mujer de 22 años de un pueblito del Nord Kivu en zona rebelde que un día fue brutalmente atacada y violada por un grupo de guerrilleros, lo que le causó graves problemas de salud, entre ellos una fístula obstétrica. Es decir, una rotura en la pared vaginal conectándola con el recto o con la vejiga urinaria y que, por lo tanto, provoca incontinencia (con su consiguiente olor y estigma social) y en la mayoría de casos la imposibilidad de tener hijos. Gracias a una ONG de Goma llamada HEAL, Lumo consigue ser llevada al hospital de la organización para ser tratada y operada. Allí va a vivir dos años durante los cuales va ser sometida a 5 cirugías reconstructivas, hasta que finalmente pueda volver a su pueblo con su familia.

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La película sigue a Lumo durante su viacrucis personal, desde que sale del pueblo y llega a Goma hasta que se marcha dos años más tarde. Y da la sensación que los autores realmente pasaron dos años viviendo con ella y las demás mujeres en el hospital, ya que filman todo tipo escenas de su vida cotidiana con gran autenticidad logrando que la mayor parte del tiempo la cámara sea invisible. Filman a Lumo con sus amigas cotilleando (la foto del poster de la película, aquí abajo, está sacada de esa escena), peinándose, escogiendo ropa interior, comiendo, cantando y bailando, hablando con los médicos, las asistentas sociales y el sacerdote del hospital. Cuando una de las mujeres le dice que ha ganado peso, como respuesta ella le contesta con un proverbio local: "las mejores carreteras tienen curvas".

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La vida transcurre lentamente y ella se pregunta si algún día va a conseguir curarse y volver a su pueblo. A veces extraña a su madre y tiene muchas ganas de volver, aunque en otras ocasiones se pregunta para qué al recordar como sus hermanos la rechazaron y su prometido la repudió (y su familia tuvo que devolver la dote). Además los rebeldes siguen en el pueblo, y con ellos los ataques.

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Sin embargo Lumo es una luchadora y no se resigna: cuando las demás le piden que rece a Dios y le dé las gracias ella contesta "le daré las gracias cuando me cure, si no no tengo nada que agradecerle". También es un poco payasa y la agitadora del grupo, y a medida que avanza la película es inevitable encariñarse con ella y sentir rabia por el sinsentido de su situación. No sólo ha tenido que pasar por dos años de sufrimiento y operaciones, sino que no tiene ni idea de si el futuro va a ser mucho mejor ya que la paz sigue sin estar resuelta. Aunque puede que finalmente esté llegando, ya que hace un mes se firmó un acuerdo de paz precisamente en Goma en el que el gobierno y los distintos grupos rebeldes que operan en el este del país se comprometieron a dejar las armas.

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En definitiva, me pareció un muy buen documental ya que consigue contar la historia del sufrimiento de miles de mujeres a través de una sola haciendo simplemente que el público la conozca como persona humana, más allá de ser del Congo o del patio de mi casa. Y demuestra que no hacen falta detalles escabrosos ni sensacionalismo para concienciar al público y hacer que se interesen por este conflicto tan mal entendido y ignorado. Tal y como dice uno de los directores en una entrevista, como en Congo no hubo un gran genocidio, o un tsunami, un huracán Katrina o un desastre de gran magnitud mediática, pues ha habito poca cobertura y mal hecha del conflicto, por lo difícil de describirlo.

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Como curiosidad, decir que en septiembre la televisión pública americana programó la película seguido de un reportaje especial (de donde es sacada la entrevista que acabo de mencionar) que incluía una actualización sobre Lumo un año después de que volviera al pueblo y de acabar el rodaje de la película: según parece su familia y la comunidad la aceptaron enseguida. Le dijeron que parecía contenta y saludable, y quedaron impresionados con los conocimientos de costura que había aprendido en el hospital. También volvió con su antiguo prometido y vivieron felizmente durante un par de meses, pero desgraciadamente fue asesinado por rebeledes. Poco después Lumo descubrió que volvía a perder orina porque su fístula se había reabierto. Así que volvío a ingresar en el hospital y se le practicó una sexta operación que esta vez tuvo éxito al 100%. Los directores, Bent-Jorgen Perlmutt y Nelson Walker III , le enseñaron la película y aunque le alegró saber que su historia recorría el mundo, también estaba triste por volver a empezar otra vez con una operación llena de incertidumbre.

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Para los que les haya interesado el tema, aquí puede verse un tráiler de 5 minutos y la CNN también habló de ella en noviembre en su programa semanal sobre África, que puede verse aquí. Y para más enlaces, el blog Jewels in the Jungle habló de la película en su día en un post cargado de información.

Aunque todos temíamos que se iban a cancelar por la huelga de guionistas, este año he tenido la ocasión de ver la ceremonia de entrega de los Oscars de cabo a rabo y despierta, sin cabezaditas de por medio. Me ha resultado un poco raro como momento en el que tenía presente las 9 horas de diferencia horaria con Europa, y también por haberla mirado justo después de un documental sobre el Congo (del que espero hablar mañana).

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Y aunque, como es habitual, ha sido sosita, ha tenido algún que otro momento emocionante. Sin duda alguna, mi momento favorito ha sido el premio para la canción de una película irlandesa muy pequeñita titulada Once, la maravillosa canción Falling slowly de Glen Hansard y Markéta Irglová, que también son los protagonistas de la película. Emocionante no sólo porque The Frames, el grupo en el que toca Hansard, me encanta (ya en un post de hace más de dos años enlacé una de sus canciones). Sino también por los discursos de aceptación que han hecho tanto el uno como el otro, que pueden verse aquí. Reproduzco el de Markéta, que hizo después de que la cortaran por tener que ir a publicidad:

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Aquí abajo, la canción ganadora.

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Gracias a este blog he pescado una noticia sobre la RD del Congo que en su momento me pasó desapercibida: la película documental El silencio más grande (The Greatest Silence) ganó un premio especial del jurado en el Festival de Sundance. El Festival de Sundance, que empezó hace 30 años bajo la batuta de Robert Redford y que este año se celebró del 17 al 27 de enero en Utah, es uno de los más importantes del mundo en cine independiente y documental.

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El silencio más grande (The Greatest Silence) es un documental sobre la violencia sexual contra las mujeres en el este de la RDC. Concretamente, el documental fue rodado en Bukavu y en Bunyakiri, en el Sud Kivu, una provincia que ha sufrido durante años la presencia de grupos rebeledes que han abusado de la población de todas la maneras imaginables. Y en estas guerras de guerrillas que empezaron en 1998, los cuerpos de las mujeres se han convertido en un auténtico campo de batalla en el que la violación es tan sólo el inicio de la tortura.

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La autora del documental, una americana llamada Lisa Jackson, vino a Bukavu en junio del 2006 y lo rodó ella sola con la ayuda de algunas activistas locales, ONGs que trabajane en el campo de la violencia sexual, y la MONUC. Y como Bukavu es un pueblo, tuve ocasión de hablar bastante con ella y de acompañarla varias veces en su rodaje. Mi colega Bernard incluso aparece en la película y cantó una canción para la banda sonora. Desde antes de empezar a rodar, desde el principio, ella se presentó como una víctima más, y nos dió fotocopias de un artículo que publicó en la revista Time en el que describía la violación que sufrió hace 30 años cuando tenía veintipocos. Recuerdo haberme preguntado si eso sería algo bueno o malo a la hora de acercarse al problema en el Congo.

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Aunque no he visto la película acabada, he visto la primera versión que hizo Lisa antes de volver a Bukavu unos meses más tarde para añadir un par de entrevistas que le faltaban. Era una versión sin pulir, pero que me pareció muy bien hilada y con escenas impactantes y emotivas. Sobretodo las entrevistas con las víctimas están muy bien conducidas, y visualmente también se nota que Lisa tiene muchos años de experiencia en el documental. Sin embargo tengo que decir que su voz en off y el protagonismo de su propia historia a veces me parecieron un tanto fuera de lugar. Hay momentos que incluso parece que les toma el pelo.

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Miré la película dos veces sin conseguir decidir si su enfoque era el adecuado y si su decisión de ponerse ponerse dentro del mismo saco que las mujeres congoleñas consigue la empatía deseada o simplemente un cierto paternalismo. La idea de mostrar que las mujeres sufren en todo el mundo y que incluso en los países ricos y desarrollados también son violadas no me parece mala, pero el desarrollo de esta idea en la película crea paralelismos un tanto grotescos, como si fuera lo mismo ser violada en Central Park o en una aldea del Sud Kivu en la que la mujer en cuestión va a ser repudiada por la sociedad después de haber sufrido todo tipo de horrores, a menudo durante meses. Me pregunto si Lisa no hizo el documental más como terapia personal, "para entender los estigmas universales ligados a la violación y a sus supervivientes" (como dijo en una entrevista), que no como portavoz de las mujeres del Congo, que a veces parecen personajes secundarios en su historia.

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En todo caso es un documental bien hecho y interesante de ver para entender un poco más a fondo la problemática de la violencia sexual en el este del Congo, y para conocer un poco más de la vida de las mujeres en el Sud Kivu. Quizás resulte un poco difícil verlo por ahí, aunque cada vez hay más festivales de documentales, de derechos humanos, etc. en los que es posible ver este tipo de producciones independientes, así que lo recomiendo de todas maneras. Y hasta entonces dejo el enlace para ver el tráiler.